lobos en off

EL HIJO.-Se deben disimular los defectos y flaquezas del prójimo, sí, es cierto, pero si damos un paso más caemos en la hipocresía y en la adulación.. Es difícil saber cómo comportarse.. pero a veces es un deber decir la verdad sin paliativos..
GERDA.-Calla
EL HIJO.-Bien. Me callo. Pausa.

GERDA: -Es mejor que sigas hablando, pero no de eso. El silencio me hace oír lo que piensas... Cuando la gente se reúne, entonces todos hablan, hablan sin parar únicamente para ocultar sus pensamientos para olvidar, para ensordecerse. Quieren oír novedades sobre los demás, sí, pero al mismo tiempo ocultar sus propias preocupaciones.

EL HIJO.-Pobre Gerda
GERDA.-¿Sabes lo que más daño hace? Pausa. El comprobar la futilidad de la suprema felicidad .

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EL HIJO (a su madre): ¡Mírame, pelícano ¡Mira a Gerda, con su pecho esquelético...!

El Pelícano, de August Strindberg

Es curioso cómo en el libro de Strindberg, El Pelícano, se siente con claridad meridiana cómo se fragua la tragedia, cómo línea a línea, párrafo a párrafo se huele la tragedia familiar. Es como si una gran bola cayendo desde muy arriba fuera haciéndose más y más grande hasta llegar a aplastar cuanto encuentra a su paso. Macrófaga bola la boca humana cuando dice.... Curioso que ayer en el teatro una sintiera exactamente eso, cómo músculo a músculo iba fraguándose la tragedia... Fidelidad al texto del dramaturgo sueco y una interpretación enorme para que esto que digo se de en el escenario como en el papel leído.

Fíjense en esta imagen. Es todo un cuadro pictórico. Escultórico incluso. Parece que están todos muertos por dentro. Es el cuadro de Hambre, locura y genio dirigida por Juan Carlos Corazza. Un cuadro que bien podría encontrarse en el salón de cualquier casa. El ser humano comiéndose a sí mismo. Es una imagen sobria, llena de claroscuros, como el hombre, es hasta bella, porque hay algo que hace bella la tragedia. Mentes claras, diáfanas y sanas, al frente; oscuras, malévolas y hambrientas al fondo de ese frente. De esa frente. Dentro de ese cuadro la fragua y dentro de la fragua el drama. Ahí, en un estrecho habitáculo que es un salón con cheslong, se irá desanidando la psique de cada uno de los personajes, en esa cheslong se tumbará cada una de esas frentes, digo mentes, confrontándose las unas a los otras. 

Hambre

Locura

Genio

Resulta inquitante percatarse que el hambre en esta imagen de Strindberg (guiño divertido y siniestro que Corazza lo conciba como el retrato del padre muerto en la obra), esté a la altura de la frente -que para mí es la mente-, que la locura lo esté de los ojos, y el genio de la boca, boca por donde salen las ideas que llegan desde el hambre y que pisan, en su camino hacia la boca, el territorio de la locura, estepa luminaria. 

Off // Curioso nombre el de la sala -pero estrictamente necesario- para acoger estas dos obritas que conforman lo que podrían ser los tres mandatos de nuestros días: hambre locura y genio. Teatro breve, aunque bien sabemos que la cosa si breve dos veces buena (y trágica). Y en ese límite, en ese escenario, la precipitación de los acontecimientos familiares. Precipitación y celeridad que incluso trastorna a los personajes. Los conmociona. Los precipita a sus propios abismos. Es la tensión-Strindberg definida por los crudos y enérgicos diálogos. Un desencadenante de tragedias suspendido en una sala off sin paredes. Solo columnas. Como si cada columna tuviera un nombre, y fueran las patas que sostienen el mundo: hambre, locura y genio.  

Off // Sala pequeña, pero insisto, necesaria para sentir la pulsión de cada uno de los personajes. Los primeros planos. Los gestos nada planos. El lenguaje corporal. Los gestos, otra vez. El gesto del odio del drama del dolor. El gesto de la avaricia, que también tiene un gesto. Oírles respirar. Sentir su sudor trágico resbalar por sus cuerpos también trágicos. Y es que el dolor mancha. Es sucio. Huele. Se expande. Así se les ve moverse dentro de la tragedia familiar. La cercanía es tal, que es como si nosotros, el público, formáramos parte de esa familia, como si estuviéramos sentados en ese salón, testigos fieles de la historia. Como si Strindberg nos invitara en esa cercanía a asomarnos al abismo de nosotros mismos. A asomarnos sin cuerda alguna al horror de la psique. Al ser humano en toda su completud. Como si fuéramos alpinistas suicidas sin cuerda a la que atarse.

El instinto devorador acorralado. Lobos encerrados en la sala. Lobos en off. Estas dos piezas cortas  llenaron ayer el teatro. Débito y crédito y El pelícano. Ambas unidas por el hilo del mal del mundo. Strindberg lo conocía bien y lo trataba desde muchos ángulos. El mal del mundo, ese ser devorador, destructor, aquello que el filósofo Thomas Hobbes, aseveraba en frases como el hombre es un lobo para el hombre. En definitiva, la familia según Strindberg. Un viaje a nuestras raíces. Un escarbar y escarbar desde el hoy hasta llegar más abajo, al lado más oscuro, al fondo de esa raíz, raíz de la planta que somos. 

El Pelícano de Strindberg siempre ha sido para mí un sutil análisis de las relaciones humanas donde coexisten todos los fantasmas del autor. El maltrato mental, la hipocresía social, la incomunicación y sobre todo, la avaricia, la avaricia como comepersonas. Violencia mental, lo llamaría Strindberg. Violencia mental que anida justo ahí, en la frente, que, insisto, para mí es la mente. A partir de ahí, la destrucción. 

Plinio el Viejo decía que los pelícanos tienen un segundo estómago en el cuello, donde las insaciables criaturas colocan la comida, aumentando su capacidad... también se dice que la hembra mata a sus crías y las llora durante tres días, luego se hiere a sí misma y arroja su sangre sobre ellos para revivirlos. 

Es devastadora la maldad. y además de devastadora, es irreprimible. La especie humana tiende a ella, a la maldad, a la devastación, a la degradación de su especie. Hace un par de años vi la obra de teatro Agosto de Gerardo Vera (Carmen Machi y Amparo Baró), y era el mismo escenario, y es que pienso que toda tragedia familiar tiene el mismo escenario. Un salón y cuatro paredes. Encerramientos. Encierramentes. Un salón como el que vi ayer en aquella sala.

Y en aquel salón de Agosto... el mundo estaba encerrado en una casa. en un cuadrilátero tapiado donde se concentraba el horror y la angustia inyectado en vena con calor letal. una muda casa sin viento. una tensión hueca en ese aire detenido. una abisal casa de muñecas. una tumba abierta encarnizada de muñecas rotas. un devastador juego psicológico que arrasa. huracán de emociones los muros de esa jaula de violencias. el pasado y el futuro reñido a muerte con el presente. el ser humano al límite. la gran historia de siempre. una familia desvencijada reunida por la inesperada y misteriosa muerte del patrón de la casa. una familia re-unida que además de no unirse ni re-unirse, mata. una familia que se sirve en una mesa y se comen los unos a los otros sus miedos, molinillos todos que muelen y muelen los sentimientos ajenos. triturador de corazones, bañeras de sangre y posos de café quemado. una madre devorando a sus hijas -disparando a la más débil-, como aquel saturno goyesco devorando a su hijo. unas hijas devorando a su madre -disparando la más fuerte-. 

Mismo escenario... y es que, como decía La Madre en este Strindberg, esto ocurre en las mejores familias.

Enhorabuena al reparto y a la dirección. Redondo el trabajo actoral, Rafael Castejón, Ana Gracia, Manuela Velasco, Tamar Novas, Paula Soldevila, Pepe Lorente, Inés Higueras, José Gimeno, Raúl de la Torre, Laura Díaz, Manuel Chacón y Pilar Bergés. La interpretación enorme de todos, pero me fascinó el personaje de Margarita interpretado por Paula Soldevila. Me entusiasmó. La sala estaba llena y acompasada también con muchos rostros del mundo de la interpretación, Concha Velasco, Jan Cornet, Elena Anaya, y un largo etcétera. Desde aquí mis felicitaciones y mi admiración profunda a todo el mundo del teatro, por abrir una  brecha en la mente de estos tiempos que corren. Por no rendirse. Y obligarnos desde un escenario a desnudarnos y mirarnos dentro de nosotros mismos.

*Esta obra se prorroga el mes de enero de 2015. Concretamente, todos los lunes de enero se podrá volver a disfrutar de ella

alejandra pizarnik en la sala triangulo

Se prohíbe mirar el césped. Premio Estación Norte.
Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle. TAC 2013.

tras aquel mayo en el que tuve la oportunidad de ver este nuevo montaje de ghetto 13/26, y después de haber rodado por festivales como FETAL o AESCENA, al fin podremos disfrutarles en madrid....

será en la sala triángulo los días 26 y 27 de octubre a las 22.30 (ir al evento)


el montaje de la compañia gira en torno a la poeta alejandra pizarnik y su piedra de la locura. muerta un 25 de septiembre de 1972 por una sobredosis de seconal y a la joven edad de 36 años.

se prohíbe mirar el césped es una autopsia psicológica de alejandra pizarnik, la reconstrucción de su vida, enfermedad mental y comunicación de ideas de muerte [fuente: europa press].

la obra recibió el premio al mejor espectáculo de la sección estación norte del pasado TAC (valladolid), ex aequo con rayuela lab, freak cabaret circus.

junto a félix fradejas, director del espectáculo y con el papel de forense, que vive en su propia piel la catarsis no solo de la poeta sino la suya propia, están marta ruiz de viñaspre, multiplicada en alejandra niña alejandra hija alejandra hermana alejandra mujer alejandra poeta alejandra viva alejandra muerta... y pau de nut, que con su voz rota lanzada contra su chelo, ayuda a que el aire de la sala se descuartice lentamente.


FICHA ARTÍSTICA
título:          se prohíbe mirar el césped
colectivo:    ghetto 13/26
actores:       marta ruiz de viñaspre - alejandra
                   félix fradejas - forense
música:       pau de nut - voz y chelo

lugar:          sala triángulo
día:             26 y 27 de octubre a las 22.30 h
duración:    60 minutos

algunas críticos han dicho de ella

Fernando Herrero. El Norte de Castilla

Carlos Toquero. El Mundo

Virginia T. Fernández. El Norte de Castilla

próximamente en madrid

el espectáculo tablas de carnicero en salamanca (espacio almargen)

el sábado 13 de octubre, en espacio almargen (salamanca) el colectivo artístico ghetto 13/26 volverá a representar el espectáculo tablas de carnicero (basado en mi libro).

fue estrenado hace dos años en las naves del antiguo matadero de valladolid (espacio cultural) y dentro del marco del festival internacional de teatro y artes de calle (TAC)...

ghetto 13/26 replantea esta vez el espectáculo y lo concibe en un formato más pequeño para facilitar su movilidad y poder ajustar la escenografía a varios espacios escénicos. este año pisan tierras salmantinas y esperamos verlos pronto en madrid....

Cartel Tablas de carnicero por Félix Fradejas.

un recuerdo de aquel año

la degradación de la especie

es devastadora la maldad. y además de devastadora, es irreprimible. la especie humana tiende a ella, a la maldad, a la devastación de su especie.

ayer fui a ver agosto de gerardo vera. y las mismas casi cuatro horas que duró ese tórrido mes, duró mi angusta, igual de irreprimible e irracional. risas irracionales y llantos igual de irracionales. todo ese maremoto en un enjuto cuerpo. catalogada como comedia de humor negro, para mí tragicomedia shakespeariana (más de trágica que de cómica).

el mundo en una casa. en un cuadrilátero tapiado donde se concentraba el horror y la angustia inyectado en vena con calor letal. una muda casa sin viento. una tensión hueca en ese aire detenido. una abisal casa de muñecas. una tumba abierta encarnizada de muñecas rotas. un devastador juego psicológico que arrasa. huracán de emociones los muros de esa jaula de violencias. el pasado y el futuro reñido a muerte con el presente. el ser humano al límite. la gran historia de siempre. una familia desvencijada reunida por la inesperada y misteriosa muerte del patrón de la casa. una familia re-unida que además de no unirse ni re-unirse, mata. una familia que se sirve en una mesa y se comen los unos a los otros sus miedos (como aquella nieta protagonista que no comía carne de animal por no comer su miedo a morir....) molinillos todos que muelen y muelen los sentimientos ajenos. triturador de corazones, bañeras de sangre y posos de café quemado. una madre devorando a sus hijas -disparando a la más débil-, como aquel saturno goyesco devorando a su hijo. unas hijas devorando a su madre -disparando la más fuerte-. el hombre es un lobo para el hombre y además es el más carnívoro de todos los animales. una familia como la de cualquier casa. como aquella otra familia en la película celebration, personajes que se identifican rabiosamente con las historias de hoy en día. demoledora exterminación del hombre. después la soledad. el hombre solo.

menos mal que no conocemos nuestro futuro. si supiéramos lo que nos ocurrirá mañana, no podríamos levantarnos nunca de la cama....



el trabajo actoral un diez. baró y machi intensos animales escénicos, de esos que a una le muerden por dentro.


Agosto” es una obra del estadounidense Tracy Letts, (Premio Pulitzer de Teatro)

tríptico liddell

mi madre nunca me ha querido. y por eso me convirtió en un monstruo de amor. siempre he deseado más amor del que podía ofrecer. siempre he deseado el amor que no encontré en mi madre. y por eso le pedí a los hombres un amor gigantesco, sin condiciones, sin límites, sin final, como supongo que debe ser el amor de una madre. los monstruos de amor deseamos ser amados sin pausa, sin descansos. los monstruos de amor somos increíblemente ingenuos. creemos en las cimas y en la vida en las cimas. y eso es imposible. en la cima te congelas, te comen los buitres, o te mueres de hambre [...]. en las cimas uno siempre está solo. los alpinistas del amor somos sollitarios que llevamos a cuestas la máxima altitud. he llegado a la conclusión de que toda mi vida he buscado el amor de una madre. yu yo he amado con la bestialidad de una madre, de una novia, de una hermana, de la patria y de los ahogados del sena, todo junto.

*anfaegtelse [pág.11]

en danés peligro, o angustia, es anfaegtelse es peligro o angustia y según la mujer L, cuando amamos entramos en guerra, entramos en anfaegtelse.

“cada uno de nosotros será grande dependiendo de aquel con quien batalló”. los guerreros antiguos luchaban en silencio, con la espada en una mano y secándose las lágrimas con la otra. eso les hacía nobles. lancelot camina, y sólo le vemos la espalda, es la posición más vulnerable, la más propicia para ser vencido” citas como estas de temor y temblor de kierkegaard son de vital importancia en el texto de esta dramaturga.

*ayer recibí en casa este tríptico de angélica liddell publicado por la uña rota. anfaegtelse/te haré invencible con mi derrota/ la casa de la fuerza y salgo a flote para tomar el aire que me faltaba tras bucear por estas aguas...

una maldición angelical

un elogio a la soledad

Jeremías 17:5
“5 Así ha dicho Jehová: Maldito el varón que confía en el hombre, y pone carne por su brazo, y su corazón se aparta de Jehová.
6 Será como la retama en el desierto, y no verá cuando viene el bien, sino que morará en los sequedales en el desierto, en tierra despoblada y deshabitada.
7 Bendito el varón que confía en Jehová, y cuya confianza es Jehová.
8 Porque será como el árbol plantado junto a las aguas, que junto a la corriente echará sus raíces, y no verá cuando viene el calor, sino que su hoja estará verde; y en el año de sequía no se fatigará, ni dejará de dar fruto.”

si en aftalgaense emergía rotundamente un angustiado kierkegaard y un adorado bach, si en la casa de la fuerza fue bach de nuevo y aquel cum dederit de Vivaldi el que salía a la superficie, en maldito sea el hombre que confía en el hombre es ese otro adorado Schubert, aquel maravilloso purcell solitario (Oh solitude) y el también solitario Wittgenstein los que se escapan del aire del escenario para entrar en tu aire... la relación escueta que un humano tiene en cualquier comercio chino, una frase escueta a cambio solo de otra frase escueta. ningún compromiso más. ¿para qué? ¿acaso existe algo más allá de esto? si existiera para liddell sería el inicio de la maldad humana. ella proclama la SOLEDAD maciza que se exige para que le acompañe el resto de sus días, a pesar eso sí de que para ella, en cierto sentido, la soledad de todo humano es eso, un escándalo.

y si, por aquel entonces, al volver a casa tras ver su otra casa de la fuerza, me fui directa a una estantería a por temor y temblor de kierkegaard, hoy se han volado mis manos a los diarios secretos de Wittgenstein, filósofo que escribió en clave en las páginas pares (las más incómodas de leer) y en las impares sus pensamientos más públicos en este libro, es decir, en la comodidad de la hoja.

Wittgenstein-solitario estaba dotado de una gran sensibilidad artística y musical –como la mujer L supongo-; fue un ser que prefería vivir en soledad -como la mujer L supongo. la importancia de su filosofía se iniciaba en la teoría sobre la limitación de las mentes cuando aseguró: Nuestras palabras, usadas tal como lo hacemos en la ciencia, son recipientes capaces solamente de contener y transmitir significado y sentido, significado y sentido naturales. La ética, de ser algo, es sobrenatural y nuestras palabras sólo expresan hechos, del mismo modo que una taza de té sólo podrá contener el volumen de agua propio de una taza de té por más que se vierta un litro en ella. el lenguaje para él tenía los mismos límites que el mundo: donde se acaba uno se acaba el otro.  esta teoría de la taza del té fue magnífica y didácticamente mostrada ayer sobre el escenario. para él -como para la mujer L supongo- las personas no es que fueran ordinarias, es que eran "tremendamente limitadas!

tiene pan?
sí? cuánto es?
60 céntimos
deme uno

la profundidad que quiere hacernos ver en estas frases anteriores -convertidas casi en leiv motiv- son la pista de despegue por la que se desliza el poso restante de sentimientos que están a punto de despuntar. las secuaces sentencias-liddell, siempre tan rotundas, que te abofetean la cara una y otra vez, una y otra vez, pero la cara de dentro, la de fuera solo ríe o llora. ríe o llora porque no sabe cómo reaccionar ante la barbarie de este mundo angélico que sin duda existe ahí afuera. adoradora en esta etapa de su vida del mundo chino (y que trasciende a música y cine y filosfía), angélica nos pone a mirar contra la pared de cualquier comercio chino de nuestros particulares barrios. solo su conversación salva pues no compromete.

para Wittgenstein, la filosofía no era un saber sino una actividad, y su finalidad era aclarar proposiciones, circunscribiendo la filosofía a un análisis del propio lenguaje. y en este punto tan "analítico", angélica idea un diccionario de la A-Z en francés para forjar el destino de sus ideas. aquí se venga del mundo que le ha hecho daño a ella misma y al desconocido de al lado. todo un proyecto de alfabetización para el mundo donde, una a una, inicial a inicial, va nombrando su propio mundo, el de ahí afuera, cambiando el escenario de manera adecuada. y así ordena –que no reordena pues nunca estuvo este ordenado el mundo-, lo vuelve a enumerar desde la soledad, el odio y la rabia a la que ha llegado subida y sumida en el vehículo del dolor.

angélica es la indígena, la aborigen de un territorio que habitas y donde pasea desnuda sus imperfecciones, sus sustratos más hondos. todos los tenemos. nos quiere presentar a la desilusión, la desconfianza, la hipocresía, sobre todo la hipocresía en la que vivimos y convivimos. la del vecino de casa, la del comensal invitado que comparte espacio en una mesa de comedor… dinero, cromosomas XY, vida, utopía, ideología, odio, rabia, mesa, así hasta llegar a la z de zidane. desconfía. desconfía. desconfía del hombre desconfía nos dice en boca de 2 lobos disecados, 10 conejos muertos y 12 cuerpos sangrantes y desvencijados que finalmente acabarían siendo la escultura del mundo, tomando su forma. ella dice: uno siempre se vuelve desconfiado con razón, a pedradas, como los perros.

he sentido un ¿cambio de registro? sí, sí, es cierto que el discurso liddell es eminentemente el discurso liddell, bucle-liddell, círculo ajeno pero certero..., pero me voy a consentir decir -desde mi punto de vista, mi mirada- que he visto a una liddell más madura, incluso menos protagonista a pesar de seguir siendo un animal sobre el escenario, investigando otros lugares, ¿los lugares de los otros? igual de impactante pero con otro ¿lenguaje? un ¿proyecto de alfabetización nuevo quizá en esta schubertiana liddell? ¿un cambio musical que ha ido de bach a schubert?

estéticamente esta mujer me impacta. lo de siempre. y adoro todo aquello que me impacta –sea bueno o menos bueno-, por lo tanto la tautología me lleva a decir que adoro a Liddell. hace que se revuelva la serpiente que duerme en todos nuestros estómagos, y con ella, hamelin del basurero que parecemos ser, se despierta desperdigando su ira por las paredes del intestino. consigue en mí algo inaudito, me sume en la tristeza más honda como al momento me entran unas ganas locas de levantarme y saltar y bailarle al mundo la música que nos propone. su trasfusión de energía es tal que nos sube y nos baja el ánimo en el momento en el que ella así lo precisa.

hincapié sobre todo en el equipo chino de la obra, malabaristas de sus propios cuerpos, más hincapié aún en la mirada atenta y amorosa de una liddell humana que desbancaba con su amor la desconfianza de la que nos habla. su amor. su amor. su amor por china. acróbatas lanzados al aire todos, una redonda lola jiménez con la misma fuerza que arrastraba de aquella casa de la fuerza, un espigado sindo cuya intervención resultaba imprescindible, en aquel atril, como si fuera la voz en off del filósofo, en definitiva, todo lo que estuvo sobre el escenario pero también frente a él.

desestructuradora musical (esto no es nuevo) y a todo volumen siempre, se consiente magníficos saltos que van de un bucle schubertiano con su sonata 959 -que hubiera repetido ella 959 veces y yo escuchado 959 veces- a un medina azara, o con una maravillosa pourquoi tu vis et où tu vas de jeanette, o aquel mítico píntalo de negro de mick jagger de intrigante letra, donde una garganta nada angelical se desfragmenta...
otra vez otra vez otra vez otra vez, gritaba su voz bucleada a una lola mecánica cuántica, así hasta 959 veces, otra vez, schubert, el hombre bueno debería tocar el piano con la misma naturalidad con la que respiramos el aire.



ahí va esa oh solitude de purcell, tantas veces escuchada y llorada, magnífica que me hizo llorar del mismo modo en el que le lloro a solas



fotos de jc


deus

la desconfianza de la mujer L

maldito sea el hombre que confía en el hombre, así reza la última propuesta de la mujer L, angélica lidell, porque no son espectáculos son propuestas, invitaciones de vida, proposiciones anti-angelicales. más allá de ser un cita bíblica, creo que de jeremías, angélica bucea en la concavidad del hombre para llegar al pozo de la podredumbre. eminentemente será un espectáculo en el que la desconfianza que genera el hombre y la que tiene por naturaleza, será vela de foque que sostenga el resto de desdichas que anida en él. leo que es una especie de prolongación, porque todo acaba siendo prolongación de todo, de su casa de la fuerza. lo uno lleva a la otro, no? ella dice no confiar en la humanidad pero supongo que confía en la consecuencia.

iré a verla. iré a verla el 20. iría a verla 20 veces. iré a verla. iré a verla. porque nunca puedo hacer otra cosa que ir a verla.

chip suicida según la mujer L
para negar el amor y la piedad, hay que haber amado mucho. Y para llegar a la desconfianza es que se ha confiado mucho. Y cuando llegas a la negación de la vida, es que has amado muchísimo la vida. y amas tanto la vida que no la soportas como es. Soy una suicida sin suicidio, como decía Anne Sexton.

ha necesitado para esta desconfianza la confianzaa de 46 personas, - entre ellas, cinco acróbatas chinos, ocho niñas y cinco actores-. Maldito sea el hombre que confía en el hombre: un projet d’alphabétisation’ podrá verse del 19 al 22 de mayo en las Naves del Español del Matadero de Madrid.

un chejov en el círculo de bellas artes

rayuela producciones y su elenco de actores aterrizan en la azotea del círculo de bellas artes. los vimos en un preestreno en zamora hará un año. reímos hasta llorar pero sobre todo lloramos. porque dicen de la risa y el llanto que son reacciones ante situaciones inesperadas. y aquí lo inesperado fue que nos metieron a chejov en vena. y en ese jardín de cerezos nos abrimos las venas con la cuchilla de liubva para que aquellas escenas costumbristas avanzaran por ellas. ver a la multiplicada marta ruiz de viñaspre cuya sangre esta vez es la mía o viceversa, en este papel de Liubva Andréievna, descubrir sorprendida que llegó a vivir contemporánea, en aquella época chejoviana, sacó mi lado más hermoso.
Candidatos el año pasado a los premios MAX (El Mundo) Rayuela Producciones opta este año con otra intensísima producción, Dogville premio. Otro espectáculo de envergadura donde actores y actrices de igual envergadura se desenvuelven sobre el escenario como si no conocieran otros mundos más allá de esas tablas. Dogville

La humanización del drama "Chejoviano" pasa ineludiblemente por enfrentar con ternura, amor y una sonrisa, las desgracias y avatares de los personajes. No en vano Chejov describe "El Jardín de los Cerezos" como una comedia, en un intento de desdramatizar una situación de crisis, tanto económica como emocional. Desde este enfoque planteamos una puesta en escena situada en el presente, con un trabajo basado en una actualización formal que participa de los registros expresivos de nuestra compañía.
Una propuesta escénica en la que proponemos la colisión entre el texto de Chejov (escrita un poco antes de morir) y el enfoque contemporáneo que caracteriza el trabajo de Rayuela.

Liuba Andreievna, terrateniente recién arruinada, vuelve a la casa familiar, al “Jardín de los Cerezos”, el lugar donde vivió desde niña y del que ahora tendrá que desprenderse. Sobre la pérdida se construirán las nuevas vidas de aquellos cuyos destinos siempre estuvieron ligados al Jardín. Atrás quedan los recuerdos, los viejos empleos, los afectos… Un mundo de esperanzas y nuevas oportunidades surgirá de la desgracia, de la crisis (Rayuela Producciones)

Subo una presentación de fotos de Marta Vidanes (aconsejo verlo a pantalla completa)



Desde mañana 26 de abril al 30 de abril este jardín plantará sus cerezos en uno de los escenarios del Círculo de Bellas Artes, en el Escena Círculo (madrid) los podremos volver a disfrutar. Para comprar las entradas en telentrada. No dejéis de ir.

Programa La Mandrágora (La 2)



Video



Liubov Andréievna Ranévskaia- Marta Ruiz de Viñaspre
Ania- Maribel Carro
Varia-Carmen Gutiérrez
Leonid Andréievich Gáev-Carlos Nuevo
Ermolái Alexéievich Lopajin-Carlos Pinedo
Petia Trofímov-Carlos Cañas
Simeón Pischik-Xiqui Rodríguez
Charlotta Ivánovna-Maribel Carro
Semión Panteléievich Epijódov-Carlos Cañas
Duniasha-Carmen Gutiérrez-Firs.
Xiqui Rodríguez-Yasha-Carlos Pinedo
Un transeúnte-Xiqui Rodríguez-

un tranvía llamado vicky peña

una de las frases que más recordamos de blanche fue: siempre he dependido de la amabilidad de los extraños; incluso añado ese eje donde parece que gira todo, cuando dice: lo más opuesto a la muerte es el deseo, -es más, hasta me atrevo a añadir esta otra frase de mi puño y letra y punto de vista: la hipersensibilidad es un billete de ida a la locura.

si enlazamos estas tres sentencias, nos encontramos con una despedazada soga por la que descender al pozo del malogrado futuro de blanche. nos encontramos en un túnel que atraviesa ese duro tranvía llamado deseo. nos encontramos atrapados en algún vagón. y dentro, la red de una blanche profunda, triturada y maniatada por estos tres cabos que acabaron dilapidando todas sus emociones en un pulso de culturas.

ayer estuvimos en el teatro español. nos sentamos en la segunda fila de aquel tranvía antiguo -propuesta de mario gas con una siempre impactante vicky peña-. toda una eclosión de emociones.

vicky peña es la loba agazapada que en su propio bosque y llena de nocturnidad, te araña la espalda. la tarántula que paciente espera y conquista tu interior para llevárselo a la boca de alimento. el tiburón que cerca el charco de sangre. el caballo desbocado en el que nos subiríamos una y otra vez. la que saca con sus emociones nuestros lados más ocultos. es un ser brutal sin necesidad de recurrir a la fuerza bruta. es un impacto. es el tranvía que atropella y te lleva por delante desperdigando por el suelo la basura que somos. es la fuerza centrípeta que atrae hasta su abdomen -su propio centro- todas las fuerzas que restan, las externas.

recomiendo vivamente ir a ver la obra. estará hasta el 14 de abril en el teatro español. la última vez que vi a vicky peña fue en homebody kabul y produjo en mi interior esa misma fuerza.

confieso que sólo tuve ojos para vicky peña. debo de ser así de rotunda cuando me inclino

...el poso

anfaegtelse.... aún me dura este poso, con la misma intensidad que persiste en mí el poso de su casa de la fuerza... sedimentos...de... carbón...



...supongo que hoy te estás acordando de mí solo porque estás en el mar donde descansan los ahogados hola mi preciosa angélica estás en la playa el agua está llena de seres desconocidos joder no quiero despertar no me dejes tengo miedo de que me dejes joder eres la pesadilla de la que no querría despertar eres la discoteca en la que me gustaría morir por un atentado de eta tengo miedo de ser más bajito que tú muchísimo más bajito que tu amor tengo ganas de llamarte por teléfono pero sería como llamar a alguien que está ingresado en la unidad de cuidados intensivos oye tráete un poco de playa al menos tráete algún ahogado para nuesro amor ya sé que no te gustan los ensayos sería como ensayar una pena de muerte no? yo te respeto bastante lo suficiente como para quemarme a lo bonzo frente a tu embajada mi amor hoy espero que estés pensando en mí como piensan los leones en las gacelas thomson supongo que lo que pasa es que tengo miedo pero todo esto va a funcionar besos de osos... A.L.

joder... angélica es intravenosa te estalla por dentro
video: pau de nut

Performance Tablas de carnicero en el TAC'2010

Éste es uno de los carteles para del espectáculo Tablas de Carnicero de Félix Fradejas, director del Colectivo Ghetto 13/26. Según su director, esta performance nace de la necesidad de explorar nuevos territorios con el mestizaje de diferentes técnicas, un mestizaje directo entre la poesía y la instalación y partiendo del libro Tablas de carnciero. (Habrá una rueda de prensa la mañana del viernes 21)

Basado en el libro Tablas de carnicero, de Nuria Ruiz de Viñaspre (Luces de Gálibo2010), este espectáculo se estrenará en el Antiguo Matadero de Valladolid, Laboratorio de las Artes, dentro del ciclo Estación del Norte/Tránsito. Fila Cero. 26 y 27 de mayo a las 22.30 h.

Dicha performance está dentro de la programación del TAC 2010, Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid

La companía expondrá su trabajo en un escenario particular y muy adecuado para Tablas de carnicero, el Antiguo Matadero.

Ghetto 13/26; “Tablas de Carnicero”; Performance; Sala Blanca; Estreno Absoluto

...y finalmente, días antes, el viernes 21 de mayo a las 20 h se presenta el libro Tablas de carnicero en la Fundación Segundo y Santiago Montes de esa misma ciudad, intervendrán el poeta Óscar Martín Centeno, la actriz Marta R. de Viñaspre, la autora y el actor y director teatral Félix Fradejas, que como director del Colectivo Ghetto 13/26 hablará de la performance que tendrá lugar días más tarde en el festival.

*foto del espectáculo en uno de los ensayos por Félix Fradejas
*invitación diseñada por Ateneo Cultural Jesús Pereda

el jardín de los cerezos

este domingo a las 20.30 h un jardín particular en Segovia. El jardín de los cerezos, un Chejov más moderno aún, si cabe. Un viaje de comienzos del XX a pleno siglo XXI. Será en el Teatro Juan Bravo. S. y yo iremos. Tengo muchas ganas de verla y ésta es la vez qu más cerca estarán de Madrid.

Liuba Andreievna, terrateniente recién arruinada, vuelve a la casa familiar, al “Jardín de los Cerezos”, el lugar donde vivió desde niña y del que ahora tendrá que desprenderse.
Sobre la pérdida se construirán las nuevas vidas de aquellos cuyos destinos siempre estuvieron ligados al Jardín. Atrás quedan los recuerdos, los viejos empleos, los afectos… Un mundo de esperanzas y nuevas oportunidades surgirá de la desgracia, de la crisis.
La humanización del drama "Chejoviano" pasa ineludiblemente por enfrentar con ternura, amor y una sonrisa, las desgracias y avatares de los personajes. No en vano Chejov describe "El Jardín de los Cerezos" como una comedia, en un intento de desdramatizar una situación de crisis, tanto económica como emocional.

La versión y la dramaturgia, el ajuste de la interpretación, la integración de elementos plásticos y narrativos contemporáneos (videocreación, espacio sonoro…), todos los aspectos de la puesta en escena surgen de enfrentar un texto con más de cien años, con nuestra realidad cotidiana en los albores del siglo XXI.

* información sacada de Rayuela Producciones

El jardín de los cerezos en La Mandrágora



Fecha: 25 de abril de 2010
Género: Teatro
Sesiones: 20:30 h
Compañía: Rayuela Teatro
Precio: 18, 15, 13 €
Precio Amigos Juan Bravo: 15, 12, 10 €

Reparto:

Liubov Andréievna Ranévskaia. Marta Ruiz de Viñaspre
Ania. Maribel Carro
Varia. Carmen Gutiérrez
Leonid Andréievich Gáev. Carlos Nuevo
Ermolái Alexéievich Lopajin. Carlos Pinedo
Petia Trofímov. Carlos Cañas
Simeón Pischik. Xiqui Rodríguez
Charlotta Ivánovna. Maribel Carro
Semión Panteléievich Epijódov. Carlos Cañas
Duniasha. Carmen Gutiérrez
Firs. Xiqui Rodríguez
Yasha. Carlos Pinedo
Un transeúnte. Xiqui Rodríguez

adagios de la mujer L

-la primera vez que uno se para a pensar, pierde la vida
-sabemos muy bien lo que estamos haciendo, y aún así lo hacemos
-los intereses sustituyen al amor, a la inteligencia y a la bondad
-me acusan de exagerar pero no existe el espíritu sin extremos
-el hombre sólo sale de su apatía cuando encuentra a alguien a quien humillar
-no pienses demasiado, no te excedas en las pasiones, si piensas demasiado y te excedes en las pasiones la policía higiénica te cortará la cabeza con la implacable guillotina de su moderación. Escapa de la crueldad de los moderados
-no hay cerro, ni selva, ni desierto, que nos libre del daño que los otros preparan para nosotros.

sentencias que aplastarían a un coloso, máximas filosóficas, aforismos, recopilaciones, leyes capitales, frases centrifugadas, adagios*, fórmulas matemáticas, mandamientos, declaraciones o preceptos, memorables cortes, o como quiera llamarse a estas flechas regladas que con tan buena puntería lanza la mujer L, la Liddell

*adagio (lingüísticamente): frase corta pero memorable que contiene y expresa algún elemento de conocimiento o experiencia importante
adagio (término musical): indicación de un tempo

La casa de Angélica

Ver a Angélica es como recibir un disparo en el pecho con un chaleco antibalas, es decir, un mazazo que te empuja hacia atrás o hacia el fondo, lo más profundo, la sima. Es cierto que yo nunca he recibido un disparo, ni siquiera tengo un chaleco que salveguarde mi vida, pero yo supongo que algo así debe de sentirse; porque ver a Angélica, mi animal escénico más querido, no llega a matarte, pero golpea como un mazo en una mesa de disección.
Que frases como el sol se pone cuatro o cinco veces al día, asi es imposible que la tristeza descanse… entren en tu cuerpo, esclaviza y pudre toda la carne que hay entre tu hueso, dejándote sólo eso, tu propia esencia más humana.
Ver a Angélica me despierta, me desmesura, me desorienta, me centra, me hinca a mi asiento, un asiento donde no hay ni carne ni hueso clavado, sólo respiración excitada ante tanta verdad, ante tanta soledad. Las verdades golpean y pueden llegar a matar. La palabra además de dar salud, a veces mata.

Ayer estuvimos en el Matadero, matemático nombre, nosotras, dos reses en una segunda fila, como esas reses más antiguas de mis también antiguas Tablas. La función, agotadoramente intensa, duró cinco horas. Cinco horas escupiendo desde aquel cuadrilátero. Cinco recibiendo sus descargas eléctircas. La casa de la fuerza está llenísima de imágenes, que, como cuadros, me traían a la memoria los vivos colores de Frida Khalo o de Gauguin a pesar de tanta muerte y de soledad. Descargaron sacos y sacos de carbón sobre el escenario en una escena perfecta y llena de simbolismo donde pensé: vamos a sonarnos oscuro, para sacar lo peor de todos nosotros. Lo más oscuro. Aquella sima.

Y siempre, una frase grapada a la espalda de la LiddeLL-. En Aftangense fue Bach significa río. Ayer fue: Tiramisú significa Levántame (el ánimo). Tira-mi-sú. Levántame-hacia-arriba; tira-de-mí.

Cuando veo a la mujer L. La LiddeLL, pierdo gravedad, y ensimismada en el espacio, despreocupada del resto, el dolor me puede durar una semana, o dos, incluso más. Ese resto, es decir, la rutina diaria, mis viajes en autobús -en este último de hoy voy escribiendo toda esta red de palabras- el trabajo, los pequeños dolores de cada uno, todo pierde un poco su sentido, porque ante verdades y pesadumbres como puños en esa casa de la fuerza, el resto es ya sangre coagulada. Caducada. Todo caduca al instante, excepto aquellas frases que como disparos han entrado en tu cuerpo roto. Un cuerpo roto que tardará en recomponerse. Todo es necesario.
Entonces, durante la función me di cuenta que hay que mirarse para salvarse, para formar un todo que rompa ese otro todo, que no más que el dolor y el daño en el Mundo –no sé por qué pero siempre escribo Mundo con mayúscula-. Sólo mirando al dolor. Solo, mirando al dolor.
Ver a Angélica, en general, me descorcha. Me cuartea. Me rompe en pedazos la capacidad que tiene para que el dolor que sobre el escenario ha entrado en ella, entre en cada uno de nosotros, que ajenos a todas las muertes, nos dejamos llevar en esta otra orilla de la vida, la más acomodada.
Cuando voy a ver a Angélica los músculos de mi rostro se contraen. Se contradicen. Se afean. Yo no puedo verme pero siento cómo se desencajan mis cejas, que arqueadas, son techumbre para mi hallazgo de lágirimas. Es como cuando escuchas una cantata de Bach en soledad o junto a alquien a quien quieres. El rostro se desencaja ante tanta belleza. Algo así aunque no exactamente así. En mi adolescencia solía encerrarme en mi habitación con un cuaderno y dos o tres cintas de cassette. Bach siempre entre ellas. Lloraba cuando a todo volumen sonaba el Agnus Dei de Bach. Me colocaba unos cascos gigantes en mi cabeza aún de arcilla y me abandonaba en gestos. Ayer sonó una y otra vez ese Agnus Dei, una y otra vez. Cordero de Dios.



Dicen de la risa y el llanto que no son más que un mecanismo de alivio de tensión, un mecanismo que genera el cuerpo ante situaciones en las que no sabes cómo reaccionar. ... Para mí son eso, como una descarga cuando mis nervios se resienten y la sorpresa o lo inesperado o lo invencido se mete sin aviso en mi cuerpo.
La casa de la fuerza estará en el Matadero hasta el día 8.

Os insto a ir a verla, porque está prohibido obligaros a ir a verla. Ir a verla para eso, para que lloréis y riáis ante la emoción. Para descorcharos, desconcharos, desistegraros, descentraros, desorientaros. Para refrescar nuestra corta memoria histórica. Para recordar a todos los muertos por asalto. Para recordar a los asaltados, a los exaltados… y así, sólo así, puros y partiendo de un matemático 0, podamos algun día volver a empezar a construir este Mundo, no otro mundo, sino éste, en el que ahora mismo están pisando nuestros pies desnudos. Un Mundo mirado desde nuestras particulares casas de la fuerza.

Para mí. Angélica es un lobo al que le han matado sus lobeznos. Es la fuerza en sí del lobo. La extenuación y el agotamiento físico son el único combativo de la soledad.

Enhorabuena a todas sus actrices, a sus testimonios, a la voz de Pau de Nut que va sin esfuerzo del Renacimiento a lo más moderno y que me hizo llorar sin tampoco ningún esfuerzo. A la LiddeLL... por su fuerza de lobo sobre el escenario, a su debilidad en otros campos. Todo compensa.

La voz de Pau de Nut en este Cum Dederit, una hermosísima siciliana de Vivaldi, que para ellos se titulaba Me cago en la hostia, estoy a punto de llorar, a mí, me hizo llorar. Y mi respiración sencillamente se descompensó.




cum dederit dilectis suis somnum:
ecce haereditas Domini, filii:
merces, fructus ventris.

colma a sus dilectos en su sueño.
He aquí la herencia del señor, sus hijos
su recompensa, el fruto de sus entrañas

Siento la longitud.

*en la foto Angélica ofrecía Tiramisú a Pau mientras cantaba con su renacentista voz... esta siciliana... magnífica escena

La casa de la fuerza

el sol se pone cuatro o cinco veces al día el sol se pone cuatro o cinco veces al día el sol se pone cuatro o cinco veces al día... así es imposible que la tristeza descanse....

No hay cerro, ni selva, ni desierto, que nos libre del daño que otros preparan para nosotros. Angélica Liddell

La casa de la fuerza en La Mandrágora

La casa de la fuerza, para la dramaturga, directora y actriz es la casa de la soledad; ese lugar donde se compensa el agotamiento espiritual con el agotamiento físico; es el sitio donde no somos amados, y hacemos ejercicios de no-sentimientos para compensar el exceso de sentimientos; es el sitio de la humillación y de la frustración. Atra Bilis

“Descubrí que la extenuación física me ayudaba a soportar la derrota espiritual. Me agotaba. Eran ejercicios de preparación para la soledad. Eran ejercicios de no-sentimientos para aniquilar el exceso de sentimientos. Pero poco a poco la soledad se impuso violentamente a la fuerza, y a partir de ahí la pelea entre la soledad y la fuerza fue salvaje. De modo que la fuerza me permitió ahondar en la fragilidad, la imperfección, la debilidad y la vulnerabilidad”.

"...cuando llegas al límite de la extenuación, ... te calmas"

El jueves 5 de noviembre en el MATADERO, La casa de la fuerza de y con Angélica Liddell, la derramadora de sangre, la no-nihilista a pesar de toda apariencia, la de la frase "me marcho a México" siempre en boca -para cambiarlo-, la dolorosa enamorada de aquel México de "me marcho a México" siempre en boca, la que acusa también a ese México, la auténtica en este otro país más sintético, este Madrid sintético, la que descarga kilos y kilos de carbón sobre el suelo de nuestras vidas, su propio escenario. Todo ese carbón que no tardaré en caernos encima. Un duelo a muerte entre soledad y resistencia. Un duelo compartido con mujeres de México que cuentan en vida la muerte impune de miles de mujeres. Un duelo en nuestras propias casas que medirá nuestras también propias fuerzas. Allí estaré dejando que nos eche ese pulso. El pulso de vida- Probablemente después, probablemente después sólo pueda escribir sobre ello. Y detrás de todo, en lo más profundo, Bach y los mariachis.

EL jardín de los cerezos

En el Norte de Castilla

El jardín de los cerezos

Esta mañana, mientras subía a esta altura la información recibida del Ateneo Cultural de Valladolid para el viernes, me ha llamado mi hermana para decirme que ayer volvieron de gira tarde pero de camino pudieron ver el programa de La Mandrágora en La 2.

ELla me había avisado hace una semana por si me interesaba verlo pero tenemos visita en casa y sencillamente se me pasó. Eso sí, antes de colgarle el teléfono esta mañana he volado al ordenador para buscar el video de ayer en la página de RTVE. Lo he encontrado y he disfrutado muchísimo viéndolo. Era un especial del último espectáculo en el que anda metida Marta Ruiz de Viñaspre. El jardín de los cerezos, de ...Chéjov, dirigido por Rayuela Producciones (Nina Reglero). Están en el minuto 9.36. Hay que verlo. Marta está que se sale, es la rubia, rubísima....

El programa de La Mandrágora lo podéis ver aquí:
http://www.rtve.es/mediateca/videos/20091010/mandragora/602489.shtml

Información sacada de la página de Rayuela

Reparto:
Liubov Andréievna Ranévskaia: Marta Ruiz de Viñaspre
Ania : Maribel Carro
Varia : Carmen Gutiérrez
Leonid Andréievich Gáev. :Carlos Nuevo
Ermolái Alexéievich Lopajin : Carlos Pinedo
Petia Trofímov: Carlos Cañas
Simeón Pischik: Xiqui Rodríguez
Charlotta Ivánovna: Maribel Carro
Semión Panteléievich Epijódov: Carlos Cañas
Duniasha: Carmen Gutiérrez
Firs.: Xiqui Rodríguez
Yasha. Carlos Pinedo
Un transeúnte. Xiqui Rodríguez


A ver si es posible volver a Valladolid para el viernes 23 y disfrutar de esta desdramatización de Chéjov particular, cómico siempre pero necesario, siempre necesario.

Estreno en Valladolid, Viernes 23 de octubre en Sala Ambigú
*Fotos de Félix Fradejas

Un Tito a medias

Si Tito Andrónico hubiera tenido seis actos, William Shakespeare hubiera arremetido contra los espectadores de las primeras filas, y los habría matado con certeros tormentos atroces. Efectivamente, excepto Lucio, no queda vivo en escena ni un solo personaje. Antes de que se alce el telón del primer acto ya han muerto veintidós hijos de Tito. Y a partir de aquí, la sangre corre sin tregua, hasta la matanza general del quinto acto. En esta tragedia hay treinta y cinco cadáveres, sin contar a los soldados, los siervos y los personajes secundarios. Al menos diez grandes asesinatos son cometidos frente a los espectadores. Añadid la violación, el canibalismo y la tortura y la novela negra americana parecerá una inofensiva historia idílica comparada a este drama clásico del Renacimiento. Palabras del crítico Jan Kott en su estudio Shakespeare nuestro contemporáneo, (Varsovia, 1961)...

Pienso que sí, que estoy de acuerdo con esta premisa, pero también pienso que estas palabras hacen clara referencia a la obra de Shakespeare. Pienso también que esto es lo que puede ocurrir en toda propuesta arriesgada: El dicho popular de Arde Roma no se cumplió ayer. No hubo fuegos fatuos, si acaso algún destello. Es cierto que debe de ser muy complicado aceptar un encargo de Shakespeare, y sobrevivir al intento, y más aún aceptar este trato con las más jóvenes manos de un Shakespeare brutalmente enérgico que plantea una guerra sangrienta de familias. El lado más grotesco y oscuro del ser humano. Sin duda, una de sus tragedias más macabras. Ayer estuve viendo Tito Andrónico, un montaje que finalmente no consiguió esa perfección que aún no sé por qué, es concebida redonda en nuestro cerebro, como redonda era la mesa de la escenografía. Un escenario circular que giraba cada vez a más revoluciones a medida que la misma revolución iba poseyendo las almas humanas. Esa misma mesa que apuntaba con invisibles flechas el destino fatal de cada uno de sus comensales. Una tabla redonda como aquella otra legendaria donde se reunían caballeros y espadas para buscar el Grial, aunque en este caso una pena que el Grial permaneciera oculto sorteando el aire exterior.
He leído que esta adaptación prometía litros de sangre y violencia y en fin, exceptuando la actuación de algunos actores contados confieso que esperaban más mis ávidos ojos. No hablo de litros de sangre cubriendo aquel suelo escénico, ni de miembros amputados desparramados allí mismo... Otro tipo de planteamientos algo desajustados, desajustaron mi cerebro y apagaron el fuego escénico que por otro lado, no llegó a encenderse. ¿Zombi? ¿Ebrio? ¿Realmente anciano? ¿Enfermo? ¿O clérigo practicante? Todos partimos de la base de la vetusta edad de Tito, no sólo por su caracterización. Gratuito por ello tanto empeño del personaje en hacer ver al público su vejez extrema una y otra vez. ¿Porqué tanto derroche en hacernos entender esto? Estamos hablando de teatro y de igual forma que no hubo sangre física ni manos reales amputadas ni lenguas cercenadas, de esa misma manera Tito debió dirigir su energía en un campo más interpretativo, no consintiendo dejarse encerrar en ese tono único y quejumbroso que le hacía pensar a una en una línea recta que informa de encefalograma plano, muerte cerebral. En más de una ocasión comenté a S. que el tono de su voz parecía a veces sacado de una orden sacerdotal.
Posteriormente la propuesta de Lima creció con creces "valga la redundancia" en el banquete final. Esta segunda parte dinamizó y despertó ligeramente los sentidos de espectadores como yo. Me quedo con ese ciclón sobrevolando aquella redonda tabla ensangrentada. Me quedo en sus destellos...

A pesar de todo, disfruté en general de la obra. Me gustó, contradictoriamente a lo expuesto. Su escenografía sencilla y giratoria que hacía recordar cómo pueden girar los dos lados de la vida: interpretaciones redondas como el personaje del traidor Moro (Fernando Cayo ), el magnetismo del propio Saturnino el múltiple, que con su aparición a veces neroniana y a veces circense consiguió dar un toque grotesto al fantástico texto, y por supuesto la potente fuerza de la vengativa y no por ello dolorida goda Tamora (Nathalie Poza, que me refrescó la fuerza de también shakesperiana Blanca Portillo poniendo sangre a Hamlet)... el antropófago banquete final... todo ello fue al final como el bálsamo de aceite que se monta al agua líquida y que con tanta facilidad se escapa de la memoria. Consentiré que el aceite flote en mi memoria.


Gracias a G. y P. por sus regalos-.

Festival Internacional de Teatro de Calle. Ghetto 13/26

Este sábado estuvimos en Valladolid. Mi hermana estrenaba con el Colectivo Ghetto 13/26 la obra Compro tiempo, dentro del Festival Internacional de Teatro de Calle. Ya han estrenado varias veces en ese festival. Fue magnífico. Vi caras que hacía tiempo no veía, y disfrutamos de las propuestas de Félix Fradejas, director del Colectivo.


Un espacio sugerente, unos objetos (maniquíes, sillones, aparatos eléctrónicos, videos, etc) que los espectadores examinan antes de comenzar la acción escénica. Cuatro intérpretes, Félix Fradejas, Marta Ruiz de Viñaspre, Eva SImón y Xiqui Rodriguez. Hablan, danzan (al final invitando al público), manejando los aparatos y las proyecciones. Muestran, desde una música variada y muy bien escogida los lugares comundes de la sociedad actual: la cita por intertet, la compra de televisores, frigoríficos, lavadoras y demás, las costumbres preestablecidas que atacan de forma irrisoria y pertinente... Acción multimedia, imaginativa y personalísima. Ghetto y Félix Fradejas llevan 15 años haciendo una serie de espectáculos en los que representan las vivencias y los conflictos humanos en una visión en la que, aparte de los actores en carne y hueso, se incorporan todas esas técnicas multimedia con sencillez y creatividad. Un "otro teatro" absolutamente necesario.

Extracto de la crítica del periódico Norte de Castilla. Fernando Herrero


S. sacó fotos, hizo videos, vamos que tendría que volver a ver la obra. A Marta podréis verla también el 19 de junio. Cuento con ella para la presentación del libro El pez místico, en la Casa del Libro de Gran Vía a las 19.30 h.